На грани сна и реальности: 5 фотографов, которые заставят вас по-новому взглянуть на мир

С развитием технологий любители фотографии тоже увлеклись сюрреализмом. Возможности графических редакторов позволяют современным художникам совмещать различные кадры, играть с цветами и размерами объектов, добавлять текстуры или убирать ненужные детали. Можно сказать, что благодаря фотографам это философское направление искусства обрело второе дыхание. И реальность, и фантазии в их работах кажутся такими настоящими, что погружаясь в них, начинаешь сомневаться в том, где вообще пролегает грань между тем миром, в котором мы живем, и миром снов.

Эрик Йоханссон (Erik Johansson)

Эрик Йоханссон – молодой, но уже достаточно известный шведский фотограф. С ранних лет он беспрестанно рисовал, вдохновляясь работами великих художников-сюрреалистов: Рене Магритта, Сальвадора Дали и графикой Маурица Эшера, пока не обзавелся фотокамерой и не освоил графическую обработку изображений. Поначалу это был лишь увлекательный эксперимент, но совсем скоро Йоханссон полностью посвятил себя фотографии, однако не в классическом ее понимании.

Самые узнаваемые его фотографии – это постановочные сюрреалистические пейзажи. Каждая его работа состоит из фрагментов множества кадров, тщательно обработанных и ловко объединенных в графическом редакторе.

Совмещая в кадре реально существующие объекты, он стремится к максимальной реалистичности изображения, так что его фантазийные миры кажутся настоящими. «Никто не может сказать, что это не выглядит реалистично, если я действительно запечатлел все это на камеру», – говорит художник.

Весь процесс создания работы у Эрика делится на три стадии. Сначала фотограф создает рисунок, прорабатывая множество идей и фиксируя их на бумаге. Затем автор ищет и фотографирует реальные «декорации» – то есть предметы и архитектурные сооружения, которые помогут воплотить его замысел. Финальная часть работы – это сведение отснятых кадров в графических редакторах.

Фотографические проекты автора были показаны в разных городах мира, включая Швецию, Чехию и Австралию. В 2011 году он выступал на конференции TED в Лондоне. В начале 2016 года Эрик выпустил свою первую книгу «IMAGINE», в которую вошли фотографии из его личных проектов, созданных за последние 9 лет.

Работы фотографа в хорошем качестве, а также моменты, которые остаются за кадром, представлены на сайте Йоханссона. Анонсами новых выставок он часто делится в Instagram (запрещенная в России экстремистская организация). А уже совсем скоро – с 14 февраля – москвичи смогут увидеть работы шведского фотографа в Центре фотографии имени братьев Люмьер. Выставка продлится до 12 мая. Кстати, сам автор также посетит Москву и примет участие в открытии экспозиции своих работ.

Габриэль Исак (Gabriel Isak)

Габриэль Исак родился в 1990 году в Хускварне, Швеция. В 2016 году он получил степень бакалавра изящных искусств в области фотографии в Университете искусств в Сан-Франциско, штат Калифорния. Первая персональная выставка Исака открылась в The Cannery Gallery в Калифорнии, а многие его работы стали частью экспозиций в других галереях – например, в музеях современного искусства Стокгольма (Швеция) и Сиднея (Австралия). Сегодня молодой фотограф живет и работает в Стокгольме, но много путешествует по всему миру со своими проектами.

Фотографии Габриэля Исака приглашают зрителей в мир сюрреализма и меланхолии, главными героями которого становятся одинокие фигуры, символизирующие наши собственные бессознательные состояния. По словам автора, он ищет вдохновение в человеческой психологии и мечтах, а также нередко обращается к своему опыту, пытаясь передать его через образы (несколько лет Исак страдал от депрессии).

Работы Исака похожи на отражение медитации, которая успокаивает хаос жизни, превращаясь в путешествие по глубинам нашего бессознательного. «Фотография позволяет мне исследовать человеческую душу с помощью различных визуальных метафор и передавать свои идеи, используя различные символы и декорации», – говорит он.

«У меня нет четкого представления о том, как выглядит душа – это то, что я до сих пор изучаю. Я вижу это по-разному: как силуэт, как свет или как сферу. Я думаю, что у всех есть душа, которая живет в нас, пока мы на Земле. Что происходит потом – остается загадкой».

Помимо снов и внутренних переживаний художника вдохновляет природа вокруг – краски окружающего мира: «В детстве я всегда проводил время в моем городе у озера, которое выглядит как бесконечное море, окруженное сюрреалистическими пейзажами. Меня всегда завораживала природа. В Швеции царит мрачная атмосфера, которая сохраняется большую часть года. Так что я черпаю вдохновение из северных пейзажей и холодных красок».

Хью Кретчмер (Hugh Kretschmer)

Хью Кретчмер родился в Лос-Анджелесе в семье художников. Он открыл для себя фотографию в 13 лет под руководством своего отца, который был инженером по фототехнике в авиастроительной компании McDonnell Douglas во время разработки новой американской космической программы. Кретчмер с отличием окончил художественный колледж в 1984 году, а спустя 5 лет организовал свою собственную компанию, которая занималась созданием фотографий и коллажей для научно-популярных статей в журналах и рекламных проектов.

С переездом в Нью-Йорк стиль его работы сильно изменился. Оригинальность фотографий Кретчмера была высоко оценена профессионалами фотоиндустрии. Его работы появлялись на страницах таких популярных изданий как Vanity Fair, GQ, New York Times Magazine, Time, Newsweek, Oprah и Fortune. Параллельно с этим он участвовал в создании рекламных кампаний для Penn & Teller, Huggies, Old Spice, Toyota, Honda и Compaq. Сегодня он живет в Лос-Анджелесе и преподает фотографию в Калифорнийском университете и Лос-Анджелесском центре фотографии (LACP).

Хью говорит о своих работах так: «Мои фотографии описывают как причудливые, любопытные, творческие, необычные и даже немного жуткие. Некоторые [из них] были вдохновлены несметными мечтами о том, какой могла бы быть жизнь, если бы… В то время как другие являются комментариями к состоянию человека и складываются под влиянием тех активов и пассивов, которые мы все разделяем как человеческие существа. И все это приправлено оттенком причуды и иронии».

«Я считаю себя иллюстратором и визуальным рассказчиком, который использует камеру. Мой стиль работы основан на аналоговых методах, от коллажа и сборки до создания реквизита и декораций ручной работы. Я стремлюсь запечатлеть истории, которые возникают прямо перед камерой», – говорит Кретчмер.

Логан Зиллмер (Logan Zillmer)

Американец Логан Зиллмер – концептуальный фотограф, который начал создавать сюрреалистические композиции ради эксперимента. Все началось в 2013 году, когда он почувствовал, что ему нужно привнести в свою жизнь что-то новое и интересное, разбавив рутину рабочих будней (надо сказать, что работа Зилмера тогда не касалась фотоискусства). Логан решил начать 365-дневный проект: он пообещал себе создавать по одному снимку в день.

Этот проект не только помог ему развить свой собственный подход к фотографии, но и способствовал его становлению как уникального художника. В своей работе Зиллмер пользуется своим художественным чутьем, а также профессиональными методами, которым научился самостоятельно.

За время проекта фотограф так сильно увлекся творчеством, что решил бросить свою предыдущую работу и полностью посвятить себя фотографии. Но это оказалось не так просто, как Логан себе изначально представлял.

«Потом я попытался превратить мой интерес к фотографии в бизнес: снимал портреты и тому подобное, – рассказал он в интервью My Modern Met. – И я возненавидел это. Закончилось все тем, что я отложил свою камеру на год или около того».

«Через некоторое время у меня накопилось много творческой энергии, которую необходимо было реализовать, поэтому я вернулся к фотографии. Однако на этот раз я решил позволить своему воображению диктовать, какие изображения я буду воплощать, а не ориентироваться на соображения о том, какую фотографию, по моему собственному мнению, мне нужно сделать. Довольно быстро стало очевидно, что концептуальная фотография – это то, что меня действительно увлекает. Теперь я пытаюсь сделать это моей карьерой».

Несмотря на все финансовые трудности, с которыми обычно сталкиваются начинающие фотографы, Логан намерен расти в своем творчестве и добиться того, чтобы его работы выставлялись не только на родине, но и по всему миру. Зиллмер говорит, что всегда трудно предсказать, сколько времени займет создание того или иного кадра. В среднем он тратит на одну работу от 3 до 20 часов.

Лешек Буйновски (Leszek Bujnowski)

Еще один современный фотохудожник, работы которого заслуживают особого внимания, родился в Польше в 1977 году. Фотографии Лешека Буйновски были отмечены  Американским фотографическим обществом («Photographic Society of America») – одной из крупнейших в мире некоммерческих фотоорганизаций. Как фотограф он также сотрудничал с изданиями «Fotoblur», «Professional Photographer», «Vain Magazine» и некоторыми другими.

И все же, как говорит сам Лешек Буйновски: его главная страсть – это фотоманипуляции. Именно с помощью нее он и создает свои фантастические и завораживающие кадры. «Я очарован возможностью вмешательства в окружающий мир, – признается он. – Я много работаю над фотографиями, и это моя большая страсть, но также это и большое приключение, которое ведет в таинственную вселенную».

Вдохновение польский фотограф черпает из музыки – в числе его любимых исполнителей: Placebo, Metallica, Radiohead, Led Zeppelin и Nirvana. Что любопытно, представители музыкальной индустрии тоже заинтересовались работами Буйновски. Так, например, британская группа Threshold выпустила альбом «For The Journey», на обложке которого – работа Лешека. Клавишник Threshold Ричард Уэст рассказал, что кадры польского фотографа они случайно нашли в интернете. «Он нарисовал несколько блестящих работ, и в итоге мы решили, что эти рисунки идеально сочетаются со стилистикой нового альбома и Threshold», — добавил он.

Порой работы Буйновски кажутся мрачными и странными, лишенными логики. Однако они обладают каким-то невероятным притяжением. Призрачные силуэты, тени, туман, расплывчатые очертания далеких объектов, необычные герои и предметы на первом плане. Если долго смотреть на его фотографии, создается ощущение «погружения» – будто бы вы ныряете внутрь призрачного мира, созданного художником.